Inside Collective Design在纽约Frieze的特别展示

二月初，集体设计该展览于2019年中断，宣布将于今年5月重新出现，在纽约Frieze纽约．这个决定不是在热闹的兰德尔斯岛艺术博览会的另一边举办一场同时举办的活动，而是感觉像是在努力缓解“博览会紧张”，把艺术和设计放在同一个亮白色的帐篷里。Collective Design创始人Steven Learner聘请了伦敦的设计历史学家、作家和策展人利比卖家创造一场宏大的展览，主题涵盖了所有世纪和媒介:色彩。

塞勒斯说:“自从我们的早期祖先第一次从地面挖出赭石，并将其颜料涂在洞穴墙壁上以来，发现和改变颜色的驱动力一直是艺术实践的核心。”他选择的作品描绘了这种转变，从16世纪的彩绘手稿到一幅油画约瑟夫阿尔伯斯油画和2016年FormafantasmaLED落地灯，投射出粉红色到紫色的渐变光。

在将近五个月的策展过程中，一切都变了。的冠状病毒袭击了纽约全球各地的博览会都被取消或推迟。而在5月重新出现，至少在身体上，是集体不可能的。但随着弗里兹(Frieze)将其纽约博览会转移到数字平台上，“学习者”和“销售者”开始工作，为在线观众重新调整展览的目的。展览将于5月8日开幕(5月6日至7日仅限受邀者预览)移动和基于网络的虚拟画廊这里有来自全球200多家画廊的艺术作品。

Nathalie Du Pasquier的皇家躺椅/Dormeuse，于1983年设计，2015年生产。

图片:由纽约城市建筑提供118高手论坛

在这场名为“颜色与生产:从原子到虚空”的展览中，塞勒斯追溯了从前工业时代(“颜色的使用是由贸易路线和商业提供的”)到工业革命、合成颜料的发展、石化工业的进步，一直到电子技术的出现，以及最近的纳米技术的发展。随着每一项技术的发展，新的颜色种类进入了光谱。她和勒纳一直在与墨西哥跨学科设计师合作，在很大程度上依赖于舞台设计和深思熟虑的分组来说明这一进展Tuux的Emiliano Godoy这本书描绘了设计师们在色彩设计上并不总是线性的方式。

正如塞勒斯向AD PRO指出的那样，一些当代从业者，如谭雅Aguiñiga(她的作品Cosas que Sangran包括胭脂虫，一种来自南美昆虫的古老的红色染料)，“正在转向替代的、天然的和前工业时代的来源，强调艺术和设计可以作为有效的工具来传达我们这个时代的紧迫和新出现的问题。”

仓俣四郎的内阁Curiosité， 1989。

图片:Daniel Kukla /由Friedman Benda和Shiro Kuramata提供

塞勒斯和勒纳与戈多伊合作，在没有物理空间放置作品的情况下，创建了一个可以以同样方式表现的数字画廊。正如勒纳解释的那样:“利比将作品重新分类，将在弗里兹观景室平台上的三个虚拟房间中展示。”一个房间探索色彩理论，另一个房间追溯颜料的演变，最后一个房间检查生产和制造在颜色演变中所扮演的角色。“我们计划让参观者以线性的方式穿过所有三个房间，看到Libby想象中的关键搭配和主题。”在渲染房间的预览中，观看者可以获得一种规模感，并在物体之间建立视觉连接，而这些物体可能只是通过滚动列表而无法注意到。

看着一个描绘了几个世纪以来我们的色谱扩张的展览，很难不去想现在的时刻在100年后会是什么样子。随着艺术越来越多地被数字化看待，当我们从艺术博览会的循环中退一步，我们当前的时刻是否标志着我们物质文化的另一个转折点?

塞勒斯也一直在思考这个问题:“我们这个时代最有趣的一点是，‘instagram友好型’已经从负面含义转变为正面含义，”她说。这个短语曾经谴责那些视觉上吸引人的作品，在15秒的在线时间之外，其价值(文化或社会经济)有限。现在，通过数字和社交媒体大规模传播艺术和设计的能力可以被视为一种鼓舞人心和民主化的因素，使作品能够被更广泛的公众看到。也许这将鼓励创作实践，使我们能够更广泛地调查以前被边缘化的艺术家和设计师。”当然，Frieze艺术展允许所有观众参观，不管是免费还是免费，都是朝着正确的方向迈出的一步。

迈克尔·伊登的《罗马花瓶I》，2017年。

图片:Sylvain Deleu /由Adrian Sassoon提供，伦敦